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【原创】大英博物馆&国家画廊必看攻略!!38件藏品看懂西方美术史(附不遗憾参观经验)

旅游攻略论坛: 英国/爱尔兰

【原创】大英博物馆&国家画廊必看攻略!!38件藏品看懂西方美术史(附不遗憾参观经验)

蓝衣葱葱
蓝衣葱葱 13袋长老 精华
2017-06-29 35731人阅读 只看楼主无图模式

蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 18:00

1楼

不负责任申明:本文没有任何学术价值。对于即将去伦敦游览的普通游客来说,这或许是一份不同角度的观赏攻略。



/// 在某些时候,某些地方,内心的贪婪不免会集中迸发,比如参观博物馆美术馆的时候。对于一个平凡得不能再平凡的普通人来说,大多数时间都在庸碌中匆匆虚度了。所幸能有极少数的时间,能逃离片刻,去旁观一下那些人世间的最绚丽、最美好和最不可思议。


有句鸡汤叫做“最好的都是免费的“,比如空气、水和爱。其实还有博物馆。在物价昂贵的伦敦,荟聚了人类历史不同时期最顶级艺术瑰宝的博物馆、美术馆们却都统统免费。伦敦的博物馆美术馆多得数不清,对于时间有限的游客来说,只能选择最赞最流弊的几间去参观。


不考虑永远人山人海的天朝故宫博物院和国家博物馆的话,在世界各大艺术博物馆年度参观人数排行榜上,法国卢浮宫美国大都会艺术博物馆英国大英博物馆一直牢牢位列三甲,紧随其后的就是国家画廊。对于没有强烈偏好的盆友来说,在伦敦选择博物馆的话,首选大英;美术馆的话,首选国家画廊。嗯,要相信人民的眼睛是雪亮滴



我们的两次英国之行,大英博物馆一整天、自然历史博物馆半天、维多利亚和艾伯特博物馆2小时、国家美术馆3小时、泰特现代艺术2小时。特别是大英和国家画廊这两间,一直在心里大呼Amazing!!!


这两间装满人间精品的殿堂,真的是超级赞!超级爱!除了常规的游记,楼主希望用另一个小小的视角:从大英博物馆和国家画廊里38件藏品,来管窥西方美术史的脉络。每个时期最腻害的代表作、以及一些不可描述、提神醒脑的内容,楼主也以【补充内容】的形式穿插其中。


楼主慢慢更新,欢迎大家先去两篇英国游记攻略踩一踩


【一星精华帖】

【英签】2016材料简化后最新英签手把手,含五个递签重要小tips(有问必答:)



【三星精华帖】

如此心跳 你的一切都想要—4个小伙伴11天人均1W2英国行记(自驾攻略/高泽铁路/拍照穿什么私家研报)


【三星精华帖】

主菜加点“糖”—— 英国亲子行记(文艺伦敦/牛剑名校/隐世古堡/托马斯乐园)+超详细原创亲子攻略


在英国版流连了一年多收获四篇精华,接下来楼主要转战澳大利亚版啦。欢迎捧个场哦


【中国老司机 自驾游全球】爱你,我怕了吗?——袋鼠国11日人均9K亲子行记

最后编辑于 2017-08-10 08:57

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 18:57

2楼

在中世纪之前的部分,藏品都在大英博物馆;1400—1900年间的作品都在国家画廊。搭乘时光隧道,粗发吧

↓↓↓大英博物馆部分↓↓↓


史前时代

1、燧石手斧 (旧石器时代)

这块不起眼的石头很了不起,它记录了人类在几十万年前的手工痕迹,它是人类使用工具的起点,也是人类美术的起点。从开始制造工具开始,人类就和筑巢的小鸟、造窝的蚂蚁有了云泥之别。


在接下来的漫长岁月里,这个粗糙原始的手斧工具,会被石器时代的祖先们慢慢打磨得越来越好用,越来越美观。但一切都是从这块石头开始的……


【补充内容】


法国 拉斯科壁画(旧石器时代)


人类从石头工具为起点开始了最早的“雕刻”。到了旧石器时代,度过漫长狩猎时代的人类,拿起画笔描绘他们每天追捕的野牛和鹿群。在法国拉斯科洞穴的墙壁上,有人用黑色、红色、黄色的矿石在墙壁上描绘出野牛、马、鹿。这些绘画表达准确、生动传神,人类已经会用绘画这种形式来记录和表达了



英国 巨石阵(新石器时代)


有一次穷游君在微博上发起过吐槽活动:“你觉得最坑爹的景点”。哈哈哈好多人@巨石阵啊。尽管如此,巨石阵的确是一处神奇的遗迹。


到了新石器时期,人类已经战胜了旷野里的所有生物,站在了生物链的顶端。他们会使用工具和火,会用画画和雕塑来记录和表达,他们还留下了最早的“建筑”——巨石阵。为什么有人会兴师动众用巨石布阵至今没有定论,但即使相隔4000多年,我们还是能感受到它传达出来的庄严、神圣的感觉。



2、复活节岛石像(约公元1000年前)


摩艾(Moai),是位于复活节岛(Easter Island)的一群巨型人像,是智利的旅游景色与世界遗产之一。从时间上,这个石像不应该放在史前时代。但它和巨石阵一样神秘未解,看上去应该是当地人所相信的神圣力量,就接着说吧。


大英博物馆这座巨大石像,是1869年英国军舰Topaze号带给维多利亚女王的礼物。好吧,那时候英国人看到什么喜欢的,就随便往家拿。2016年到2018年,33号中国馆都不开放,不能去亲眼看看英国人从中国运来的“赃物”。


也有人认为如果这些东西不是保存在欧洲列强的博物馆也许早就没了。鲁迅在1927筹备博物馆时层感慨过:“中国公共的东西,实在不容易保存,如果当局是外行,他便将东西糟蹋,倘是内行,他便将东西偷完。”


最后编辑于 2017-07-15 07:31

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 19:25

3楼

埃及:最早形成风格的文明



3、罗塞塔石碑(Rosetta Stone)


文字的出现,是一般文明历史划分“史前”和“历史”的重要依据。因为在没有文字的时代,人类的记忆、知识和经验很难流传和积累,进步的速度会比较慢。而绘画和雕塑开始出现后,开始渐渐促成象形文字的形成


罗塞塔石碑,是一块黑色花岗岩石碑,雕刻于公元前196年的埃及孟菲斯。石碑上记述了当时的国王、年仅13岁的托勒密五世继承王位的正统性,以及他的种种善行。这是大英的镇馆之宝,常年被包围得水泄不通。


这块石碑上的内容使用了三种文字互相对照,从上到下依次是埃及象形文字(又称圣书体,代表献给神明的文字)、埃及草书(又称埃及通俗体,是当时埃及平民使用的文字)和古希腊文。因为当代人读得懂古希腊文,所以从这块石碑的对照内容上破译了早已失传的埃及象形文字。



4、埃及人像(公元前2000年—1000年左右)


在美术领域里,找到一种准确而且可以长时间持续一致的表达方法,这就形成了一种“风格”。简单来说,让人一看就知道是哪个门派的。埃及的绘画、雕塑、建筑,都脱离了史前艺术的混沌阶段,是人类美术史上最早形成风格的文明。所以一般来说,西方美术通常都以埃及作为最早的起点


埃及人像,通常选择坚硬的是石材。造型不论是坐着还是站着,一定都是笔直、端正,眼睛平视前方,追求一种庄严、端正、永恒静止之美



5、埃及 石棺画


埃及的美术风格,线条精准、轮廓清晰、讲求秩序和高度几何化


埃及人喜欢用把绘画内容归纳成几何形符号,有条不紊、清清楚楚地安置在画面中。即使画面中的元素很多,视觉上也不会有眼花缭乱的感觉。



6、埃及 木乃伊

大英博物馆里的木乃伊展厅常年人气最旺。木乃伊的英文单词“mummy”来源于拉丁文中的沥青,因为考古学家一度以为古埃及人制作木乃伊时要使用沥青来防腐。制作过程好像灰常之让人吃不下饭……


从美学的角度,我们可以在木乃伊身上看到埃及这个门派一眼就能辨识出来的装饰风格

最后编辑于 2017-06-30 10:47

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 20:16

4楼

亚述:军事帝国的战争美学


古巴比伦齐名的亚述文明,起源于公元前3000年,地理位置大约在现在伊拉克叙利亚约旦一带。亚述帝国是世界史上第一个可以称得起“军事帝国”的国家,每一代君王几乎都是在不断扩张征伐中度过。曾被征服过的以色列人在《圣经》里强烈谴责亚述人的好战,把亚述首都尼尼微称为“血腥的狮穴”。


2001年以来,在伊拉克、阿富汗等战乱地区,大量亚述古城遗址和博物馆藏品被极端组织摧毁。而19世纪英国考古学家对亚述古城“掠夺式”的考古发掘,使数千件精美亚述帝国文物在大英博物馆里完好保存下来,整整占了6个展厅。“掠夺”却成了“保护”,其实也蛮矛盾的。



7、巨型牛身人面带翼石像


亚述王国在漫长的岁月中都被泥沙湮没。直到19世纪,伊拉克沦为英国的保护地后,英国领事Austen-Henry Layard等人根据《圣经》的记载挖掘了尼尼微的亚述王宫,尼姆鲁德亚述古城,亚述文明的辉煌才展现在世人面前。


这些巨大的石像,都是位于亚述古城城门的、保护国王和王宫的神灵。那时的工匠艺人还没掌握曲腿和镂空雕刻技术,所以我们可以看到雕像一共有五条腿。这是为了从侧面看也是四条腿。



8、亚述浮雕

大英博物馆里最精品的亚述文明藏品莫过于布满整个长廊的亚述浮雕。这些浮雕描述了军事帝国的日常,很多战争场面,非常有力量感。


《猎狮图》是大英博物馆的镇馆之宝之一(没办法,大英藏品基数大、规格高,镇馆之宝是真多啊),这组浮雕描绘亚述帝国最后一个伟大的国王巴尼拔猎杀狮子的场景。描绘得逼真、细腻,果然是好斗、冷血的战争民族。被弓箭和长矛刺穿的狮子奄奄一息,好可怜哦哦嗷嗷嗷


最后编辑于 2017-06-30 10:48

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 20:33

5楼

希腊:原来肉体那么美


德国哲学家黑格尔说,在有教养的欧洲人心中,一提到希腊就会涌起一种家园之感。英国诗人雪莱干脆认为自己就是希腊人。灿烂的希腊文明,在科技、数学、医学、哲学、文学、戏剧、艺术等方面都到达了当时的新高度,是欧洲文明的发源地和摇篮。


在美术方面,留存至今我们还能看到的希腊杰作,主要都是围绕着“肉体”这个永恒主题。也许是因为天气很热,希腊人本来就穿得少,还经常在户外裸体锻炼比赛。由于裸体运动,改变人们的观念,不以露体为耻,反以健美身体为光荣。所以我们看到这些肉体虽然很多都一丝不挂,但他们是那么的自信、坦荡、从容、淡定,真是一点都不污。


9、希腊人像

看着上面这尊雕塑,我们来梳理一下希腊人像哪些特点:


1、材质。古埃及人像都是坚硬的花岗岩、石灰石,糙老爷们气质,而希腊人像采用干净柔和的白色大理石,一下子就有了细腻精致的感觉;


2、大小。古埃及的人像一般都是大、黑、粗,身高十米起,而希腊人像趋近于真人身高、真人比例,给观赏者亲切的感觉,仿佛在观看我们自身;仔细观察,希腊人像的男人都很健美,六块腹肌、马甲线统统在线,而女人则稍微有点肉感,腹部腰部赘肉明显,搁在现代差不多属于天天嚷嚷着减肥的微胖型


3、POSE。希腊人像不再单调地保持端正的坐姿和站姿,他们的pose多极了:走路、弹琴、系鞋带、扔铁饼、掷长矛、驾马车……还有上图这种什么也不干,纯凹造型的;


4、亦神亦人。这些人像是谁?也许是永恒不朽的神,也很有可能是人。他们完美的身体是值得赞美歌颂的。就这样一个坦诚的肉体,什么富贵贫穷、善良邪恶、高贵低卑统统都无关紧要,只有美只最重要的,最值得赞美的。原来希腊人是“颜控”的鼻祖


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下图可以看到从古埃及人像到古希腊人像的演化

左一静止、端正、几何化;


中间的女士造型整体看还是比较呆板僵硬,但是她的右手已经开始出现了动作;


右一是代表希腊人像最高水平的杰作:米隆(Myron) 的《掷铁饼者》。原作丢失了,这是罗马时代的大理石仿作。“这个身体,每一部分都在一种准确的力的观察中,蓄势待发,使我们几乎要屏息凝神,静静等待那铁饼迅如流星飞掷出去的一刹那“


【补充内容】


这么美好的肉体,再来一波


↓↓↓ 大约公元前6世纪中叶,希腊产生了这种美术史上典型的青年像,希腊人称他们是“Kouros”意指18岁至20岁发育完美的青年。没有任何服装比这身体更完美,他自信、健康、愉悦,从2500年前的希腊,向我们一步步走来。



↓↓↓ 在希腊人创作的许多彩绘陶瓶上,我们看到了无所不在的人体。绑系鞋带的女子,右膝弯曲,双手系着左脚凉鞋的鞋带,作者用优美的细线,在黑底的陶罐上勾绘出这样健康而且富于动态的人体。


系鞋带的女子 陶罐勾绘局部 约公元前520年 巴黎卢浮宫


↓↓↓ 希腊的人像艺术,在这样的基础上,经过大约一百多年的演变,在公元前470年左右,发展到了巅峰,一般称为“古典时期”(Classical)。


这一时期有两件和运动有关的青铜人像是非常杰出的。一件是 《驾战车者》(现存于希腊德尔斐博物馆),表现竞技中马车比赛得胜者的英姿,古典高雅。


另一件古典时期的青铜人像,一般称为《宙斯》(雅典国家博物馆),似乎握着一支矛,正要向前投掷,身上的每一处肌肉都散发着魅力。大家请不要当盯裆猫哈哈哈……


↓↓↓ 希腊艺术的黄金时代,也选出TOP 2的话,一个就是我们刚刚看过的米隆的《掷铁饼者》


另一个就是“卢浮宫三宝”之一的、米洛的《维纳斯》。她被发现时已经断失了双臂,但是她“身残志坚”,仍以不朽的安静与淡淡的微笑,印证着希腊美术史上最令人怀念的光辉一页。

最后编辑于 2017-06-30 10:48

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-29 20:49

6楼

10、希腊 埃尔金大理石雕塑(18号展厅)


希腊艺术黄金时代的巅峰,常常以雅典的帕特农神殿的建造为代表,建筑上曾经最精美的雕塑,也从古典时期的崇高庄严,转而追求更多样的表现。这些雕塑如今只有在大英博物馆卢浮宫才看得到。各位朋友们,请一定要好好欣赏。


这座神殿原来雅典城邦用来祀奉雅典女神的。神殿四周以朴素典雅的石柱环绕,正面八根石柱,支撑起三角形的山墙,侧面是17根石柱,形成一个长方形的空间,却用柱子的排列构成优美的秩序。每一根石柱都像一尊站立的人的身体,石柱上的直线刻纹,就像人体长袍垂下的衣褶。



监制帕特农神殿雕刻的艺术家是菲底亚斯(Phidias) 。这些雕塑原来镶饰在建筑的内壁或山墙上。18世纪前后,西欧人热爱希腊艺术,许多最好的雕刻都被抢走,现在集中在英国法国的博物馆中。1931年,艺术品商约瑟夫·杜维恩爵士(Sir Joseph Duveen)捐资修建了BM的“杜维恩展厅”(18号展厅),这成为“埃尔金的大理石”的专门展厅。


这些雕塑的摆放,实际上等于是把原来帕特农神庙上一圈儿朝外放置的雕塑浮雕按照对应位置全部朝里摆了一圈儿


为什么BM里这些来帕特农神庙的雕塑要叫做“埃尔金大理石雕塑“呢?


这就要提到把这些雕塑从希腊搬回(实际上是抢回)英国的埃尔金勋爵(The Earl of Elgin)。第七任勋爵Thomas Bruce在出任英国驻奥斯曼帝国(希腊的宗主国)大使期间,专门招募了一个艺术家和工匠组成的团队,艺术家负责描绘建筑和各种雕塑的图样,而工匠们是拆帕台农神庙的主力。他用了整整11年的时间,把塑像、浮雕源源不断地从帕特农神庙上被拆下来装船运回英国,包括160米爱奥尼亚风格浮雕中的大约75米、17个真人大小的大理石雕塑以及92个柱间浮雕墙中的15个。


对于“埃尔金的大理石”,即使是英国人也抱以两种态度。济慈和歌德盛赞这象征着“一个伟大艺术新时代的开始”。而反对者拜伦认为埃尔金毁了雅典,他是一个不诚实的、贪婪的破坏者。对于中国人来说,Thomas Bruce的儿子,第八任埃尔金勋爵更加恶贯满盈:1860年10月,他在英国对华全权专使任上下令烧毁圆明园


近几十年来,希腊政府一直致力于收回这批文物。英国方面当然不会同意。万一中国也来索要肿么办?英国还堂而皇之地给出理由:大英博物馆是著名的世界文化遗产保存中心,埃尔金的大理石由BM保管更为安全妥当。如果开此归还先例,西欧各国博物馆的大量馆藏都将不保;“埃尔金的大理石”已不仅仅属于希腊,它们是全人类的文化财富,理应放置在参观人数最多的博物馆中展出,何况BM是免费参观的,而雅典新卫城博物馆需要买门票才能参观。


好吧,享受到免费参观的我,竟无言以对



来欣赏一下这些瑰宝吧


↓↓↓ 下面这组雕塑原来可能是置放在东侧山墙上的,雕刻比较深,表现女神们或坐或卧的身体。身体上衣服的裙纹如流水一般,产生优美的韵律,非常写实,却又能恰当地传达出人体丰厚悠闲自在的动作。女性身体的娴雅,男性身体的刚健,都被希腊黄金时代的艺术塑造出了典范。


↓↓↓ 希腊黄金时期的雕塑常常刻意传达少年的美,比古典时期更多对美的眷恋与自觉,表现的技巧也更精致细腻。


下图左一是酒神狄奥尼索斯(Dionysus)


【补充内容】


拉奥孔 梵蒂冈博物馆


希腊人伟大的史诗与戏剧,触探了人类最深的内心世界,恐惧、不安、对死亡的焦虑、对灾难的抵抗,也许因为这样,所以产生了像《拉奥孔》(Laocoon) 这样伟大的雕刻杰作: 父子三人,被神惩罚,人体纠缠在巨蛇之间,人性的悲壮,感人至深。


无论是古希腊、唐朝的中国、或者文艺复兴时期的意大利……每一种文化在到达登峰造极的时刻,都伴随着高度的自信和开放。人本精神,最初就是从古希腊开始的。一千多年后的文艺复兴,要复兴的就是发源于希腊的、追求人的自由和美的精神


如果是埃及是西方美术的起点,那么希腊则是西方美术的重要源泉。接下来的罗马艺术几乎就是希腊风格的延续,只不过画风有点生猛


最后编辑于 2017-06-30 15:57

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-30 18:10

7楼

罗马:求真务实和不可一世的共同体


如今我们能欣赏到的罗马艺术的成就,主要集中在相对便于保存的雕塑和建筑方面。如果要用两个关键词来高度概括罗马美学的特点,可能就是“写实”和“炫耀”



11、罗马雕塑(BM 23展厅)


罗马的雕刻艺术是师承希腊的,但还是有很多不同的。罗马雕像自带贵族属性,大多以贵族、帝王为主;而且罗马雕像里的人物,完全没有希腊时期的人儿会摆pose,一般都在严肃的沉思中



区别两个风格最关键的一点就在于:希腊雕像倾向于“理想化”的表现,呈现出男人健美、女人婀娜的美图后效果;而罗马雕像则追求“真实“,眼袋、赘肉、短腿、秃头……统统如实展现。


表象背后有更深层次的原因。想到希腊,我们会想到神话、史诗、哲学,而想到罗马,更多是政治、军事、法纪。正是这种务实、严谨、实事求是的文化特质,形成了罗马雕塑强烈的写实风格


简单来说,看上去浪漫唯美的多半是希腊风,无滤镜无PS的多半是罗马风


下图是希腊风还是罗马风?……看皱纹就知道


12、罗马 波特兰花瓶(BM 70展厅)


罗马工艺美术的最高成就主要体现在银器、玻璃和青铜工艺方面。这个不起眼的花瓶在70号展厅,BM十大必看的名单上都有它哦。波特兰花瓶。它的牛X之处在于你能想象在两千年前就能制造出如此精美的宝石玻璃器皿吗?被认为是罗马时代留存下来最好的玻璃器皿之一。


1845年,一名喝醉酒的青年闯入博物馆,他拿起花瓶旁边的另一件文物,将花瓶的玻璃外罩和花瓶一并打碎。这个家伙音以“打碎玻璃外罩”的名义被判监禁,因为当时的英国法律并不对破坏价值不菲的艺术品的行为定罪。花瓶虽然后来被修复了,但仔细看还是有裂缝。


罗马帝国的贵族们信奉希腊诸神,追求现世的享乐和放纵肉体的欢愉,用酒池肉林来形容他们毫不夸张。波特兰花瓶上描绘的就是贵族们纵欲的爬梯




【补充内容】


罗马的建筑


和希腊城邦的小规模不同,罗马是一个有百万人口的大都会。光靠道德、哲学没办法维持城市的良好运行,罗马只有以法律来维持秩序,也因此发展处中央集权性的城市规划和大型公共建筑。这些建筑有的还有实用性的需求,有的则纯粹是为了实现统治者的秀晒炫的目的,比如图拉真记功柱、君士坦丁凯旋门,完全没有实用性,就是为了炫耀帝国的伟大、帝王的伟业。



圆形,是罗马建筑形式上新的符号。以前希腊建筑都是方形,垂直和水平的梁柱跨度不可能很大,也就限制住了建筑的整体规模。而罗马发展出“拱”这个概念,利用抛物线使跨距加大,而且没有了柱子的分割,更能形成庞大而完整的空间。


拱,在拉丁文里面是arch,至今是英文architecture建筑一词的字根,这说明罗马的“拱”在西方建筑形式上决定性的影响。


最后编辑于 2017-06-30 18:12

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-06-30 18:47

8楼

↓↓↓国家画廊部分↓↓↓


走吧,接下来的西方美术之旅我们该转战国家画廊了。


英国国家画廊,最早的作品创作于13世纪中期,最晚的都在1900年之前(那之后的绘画都被归于泰特美术馆)。全部作品串联起来勾勒成一部跨越6个半世纪的欧洲的绘画史。这个涵盖水准在世界范围内也是屈指可数。



参观就按作品时间顺序最为简单。蓝色部分是1250-1500年,紫色部分是1500-1600年,橙色是1600-1700年,绿色是1700-1900年




中世纪:艺术服务于宗教狂热


13、威尔顿双联画 1395年 (53 展厅)


文艺复兴之前1000年的中世纪,西方的艺术发展几乎处于停滞状态。历史上曾把这个时期成为“黑色时代”,意味着神权蒙蔽了人的理性,来世的祈求阻碍了现世的进步。中世纪时期的拜占庭风格为代表基督教艺术,服务于宗教狂热,中世纪艺术的功能不是追求美,而是宣扬基督教义


因为那个时期的绘画作品主要都是“圣像”,而且动作、容貌、服饰都有固定样式,绘画工匠师徒相传不能擅自改变。那时候的绘画作品,主题、人物造型都千篇一律,没有立体感、没有作者的个人风格和创作激情


下面这幅《威尔顿双联画》(Wilton diptych)是官网推荐的30幅必看之一。左右两块木板可以折叠,保护内部不受磨碎。


左边这一半展示了人间的场景,英王查理二世背后站着三位圣人;右边是天堂的花园,11位天使簇拥着怀抱圣婴的圣母。左边虔诚的宁静与天使们浮于空中翅膀的灵动,相映成趣。



这组双联画表达的主题就是:王权神授。圣婴耶稣的手势是“给予”,右前方的两个天使的手势同样也是“给予”。给予何物哪?英格兰的统治权。而查理二世的手势则是“接受”。


威尔顿双联画是典型的中世纪风格:没有明暗光影,没有遵循透视原理,无空间感。而且仔细看会发现圣母和天使竟然长一样。中世纪不要求写实,为了阐扬教义,人体只不过是个代表性符号而已


【补充内容】


威斯敏斯特大教堂


中世纪的绘画作品没什么很高的成就,大家随意看看就好,为文艺复兴之后的人文精神爆发做个铺垫。但这一时期的建筑却留下了惊人的遗产。


整个中世纪以基督教信仰为中心,人们忍耐着现实生活中的困苦,到华丽庄严的大教堂里寻求心理补偿。一座一座直耸入云的哥特式大教堂在欧洲各地矗立起来。尖拱、交叉肋拱、飞扶拱是哥特式建筑的三个典型特征,而内部墙壁不需要承重,变异华丽的彩绘玻璃替代了。


走近哥特式教堂,神一般高阔的空间,穿过玻璃花窗的梦幻光线,在人世间虚拟了天堂的神圣和崇高。伦敦的威斯敏斯特教堂是由“忏悔者”爱德华主持修建的。《威尔顿双联画》左边三位圣人中间那位就是爱德华



最后编辑于 2017-07-15 07:32

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wxm1970 1袋长老

发表于 2017-07-01 22:42

9楼

国家画廊就是国家美术馆吧?!

蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-07-02 00:18来自穷游APP

10楼

回复 9楼 @wxm1970展开引用收起引用

国家画廊就是国家美术馆吧?!

查看全部引用

是的,翻译有不同

蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-07-03 13:02

11楼

文艺复兴早期:觉醒吧人类


在中世纪的欧洲,最有势力、最有财力的组织就是教会。由教会赏饭吃的、专门绘制宗教题材的画家,他们完全没兴(自)趣(由)去描绘现实世界。


经济发展环境更宽松的意大利南部地区,在1300年代逐渐形成了重商贸、重金钱的思潮和经济体制。在佛罗伦萨等地区出现一批非常富裕的商人、银行家。整个社会风气更加有朝气有活力,而且和教会相比,这些新的金主能够为艺术家的创作提供更大的空间。于是从那时候开始,艺术家们不再总是以上帝的角度来观察世界,而开始描绘世俗现实的社会。即使仍然是宗教题材的作品,也渐渐地采用人的视角来创作。

说到底最牛掰的还是MONEY的力量。不知是哪位大牛总结的:If you are rich, you can f*** the world. If you are not, f*** yourself. 话糙理不糙啊。



【补充内容】


乔托 哀悼基督


文艺复兴早期无论如何也绕不开的一个人物就是乔托(Giotto di Bondone)。他的伟大之处并非作品主题(仍然是宗教题材),而是开始使用大量色调来营造出多变的空间感,创作出有血有肉的人物形象,并且通过对人物形象的凸显传达出“崇尚人类自身价值的人文主义精神”,这被后来文艺复兴大师们一再推崇。


《哀悼基督》是他最著名的画作。那时他还不懂透视什么的,只是通过近景远景人物大小,营造出立体感,而且不像之前的作品,看起来平板一块,观赏者很难找到一个焦点,而这幅画中所有人的视线动作都会把你的视线引到左下角的耶稣身上。


文艺复兴的美术,以人的觉醒为中心,以科学的视觉分析代替原有的神学模板,乔托是早以人体解剖学和空间透视法来处理问题的先驱,这也是他赢得“绘画之父”荣誉的主要原因。


不得不说,文艺复兴时期的作品还是在发源地意大利最多最重磅。但素,我们还是回到wuli国家画廊来吧



14、乌切诺《圣罗马诺战役》1438年(54展厅)


在中世纪,人在神的面前只是被审判、被拯救的被动角色。文艺复兴运动,人觉醒了,人意识到自己的重要和能力。这幅画最具有跨时代意义的是,乌切诺以城邦之间的战争为主题,打破宗教题材的千年来的禁锢,把目光投向人间,围绕着现实、历史和人来进行创作


虽然战场上人物众多,但是乌切诺熟练运用了近大远小的透视绘画技法,凸显前景人物,也表现了整体战场的空间层次,近景中景远景,层次尽然有序。透视法发展成为成熟的构图,为此后文艺复兴全盛时期的绘画产生了深渊的影响。




15、弗朗切斯卡 《基督受洗图》1450年(54展厅)


意大利的作品,又得回到54展厅。这幅《基督受洗图》(Battesimo di Cristo)吧,国家画廊官网推荐的30幅之一。


在意大利文艺复兴时期的第二代画家中,弗朗切斯卡算是扛把子之一。作为一个数学天才,他非常重视几何和透视,还专门写了一本《论绘画中的透视。


下面这幅《基督受洗图》,题材还是宗教的,是说约翰用河水为耶稣施洗,正在此时天空飞来一只鸽子,那是上帝显灵。虽然还是宗教主题的作品,这幅画还是有文艺复兴作品的特点的:一个是透视画法加强了空间纵深,几何形式的人物被安排在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中;一个是色调相对更加明快清新,人物造型也准确细腻。



就在上面这幅基督受洗图右边紧挨着,是弗朗切斯卡 《基督诞生图》(1470年)。依然是宗教主题的作品,但几何形式的人物被安排在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中,明丽的色彩创造出一种光的氛围,具有庄严静穆的感觉。


《基督诞生图》在光线的处理上有明显特色:这是在室外大自然阳光直接照射下展现的,而不是中世纪宗教画中那种神秘的光源。在明快的晨曦中,圣母马利亚跪拜新生的耶稣。画面色调灿烂纯朴,轻松愉悦。此时,文艺复兴开始兴起!一场长达100年的文化繁荣正在拉开大幕


最后编辑于 2017-07-15 07:07

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-07-06 12:27

12楼

文艺复兴全盛期:大师巨匠名作横空出世


意大利文中的“1400”(Quattrocento),是指进入1400年之后的一百年间,人文、科学和艺术全面兴盛的现象。


这一百年,产生了堪称伟大的文学作品和艺术作品。能在这个拥有惊人创作力的时代留下名字的,比如达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔……都是名副其实的“大师”“巨匠”。然而拉开文艺复兴全盛时期序幕的,你需要知道“波提切利”(Sandro Botticelli)这个名字


下面的这两幅波提切利的作品《维纳斯诞生》和《春》,是公认的文艺复兴的灵魂和颂歌。这两幅画作都是意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆当之无愧的镇馆之宝。


波提切利是当时佛罗伦萨最有财力又热衷于赞助艺术家的美第奇家族大BOSS罗伦佐·美第奇最喜爱的画家。正是有这样富可敌国、思想开明、给予艺术家自由的赞助商们,佛罗伦萨才一下子成为了文艺复兴的前沿阵地。


之前我们反复提到过,在文艺复兴之前的漫长中世纪,甚至包括文艺复兴初期,画家都始终围绕着宗教主题画来画去。波提切利的划时代意义就在于他敢于在当时冒着艺术与道德的双重风险,绘制了希腊神话主题的“异教徒作品”,他笔下的女神们非常优雅、完美、富有古代希腊人像美感,而且充分发挥蛋彩画特点,既光彩炫目、又柔和朦胧。


对于这两幅画的解读非常非常多,楼主就不多说了。既然是在英国版发帖,咱们还是好好欣赏下收藏于英国国家画廊的波提切利的作品吧。



16、波提切利《维纳斯和战神》1485年(58展厅)


这幅画是波提切利神话主题的作品中,唯一没有收藏于意大利的作品,主题轻松诙谐、色泽鲜明和谐,人物形态完美,是他最优美的作品之一。


根据希腊神话记载,当美神维纳斯来到奥林匹斯山时,男神们都被她的美貌惊呆了,无一例外地爱上她。宙斯作为“神界泰迪”当然也对维纳斯垂涎欲滴,可是被女神无情拒绝了。很不爽的宙斯就恶作剧地把维纳斯许配给了颜值为负数的工匠神郝淮斯托斯……从此开启了一部“希腊潘金莲“艳遇史,战神马尔斯只是她众多情人之一。


这幅画英勇的战神在与维纳斯翻云覆雨后睡死过去,任由四个半人半兽的小家伙在旁边折腾,即使对着他耳朵吹螺也吵不醒他。维纳斯静静的坐在一旁看着情人尽兴之后的憨态。总结这幅画的中心思想可能就是爱情征服战争吧。



文艺复兴最最最最牛的作品绝大部分都聚集在意大利,对文艺复兴时期艺术很有兴趣的话,还是去意大利更过瘾,真的是美轮美奂。虽然不是这个时期最具代表性的,但国家画廊也收藏了文艺复兴三杰的作品



17、达芬奇《岩间圣母》1506年(57展厅)


达芬奇一共画了两幅岩间圣母,第一幅在卢浮宫、第二幅就在这里,充分反映了达芬奇晦涩、神秘和充满暗示的绘画风格。


这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督。达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间,圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上,渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出无尽的朦胧画意,整个景象如幽远的梦境,充满了诗一样的温情,祥和典雅。



18、拉斐尔《粉红色的圣母》1506年(60展厅)


又是一个如雷贯耳的名字:拉斐尔,就是这个目光如水,略带忧愁的青年。可惜天妒英才,他在37岁就英年早夭。脾气火爆的米开朗基罗反而活到了87岁


国家画廊这幅《the madonna of the pinks》和达芬奇笔下的圣母深邃、神秘不同,有一种世俗人性的温暖甜美、柔和、静谧、给人视觉上的美的享受。其实说她是圣母可以,说她是一个脸上泛着幸福光晕的平凡母亲也未尝不可?



【补充内容】

拉斐尔的作品精致完美,为文艺复兴建立了绘画艺术形式风格的典范。除了圣母系列,他最著名的作品就是《雅典学派》(在梵蒂冈西斯廷礼拜堂),画的是古希腊的人文鼎盛,这同时也是意大利文艺复兴人才辈出的时代写照,这个时代就如同古希腊一样将在人类文化史上永垂不朽。


拉斐尔把文艺界名人的脸都偷偷安排进去了。正中间那两位是柏拉图和亚里士多德(达芬奇和米开朗基罗),他自己则谦虚地藏在了右下角(第一排右数第二个戴黑帽子的)



【补充内容】


米开朗基罗《埋葬基督》1500年(C展厅 暂停开放)


这幅画现在放置于暂时不对外开放的C展厅,可能是在进行修整。上面那副达芬奇的岩间圣母最初已经被氧化褪色,后来经过专家的修整才重新展出。要想看米开朗基罗最著名的作品:佛罗伦萨的大卫雕像、梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世记》天顶画和壁画《最后的审判》,还是得去意大利哈哈哈


《埋葬基督》(The Entombment)是米开朗基罗为米兰的一个教堂画的祭坛画,描绘的是基督受难后,玛利亚和圣使徒们将他抬至坟墓边上准备下葬的情景。


这幅画右下角部分还没画完。据说米开朗基罗一直在等一种昂贵的颜料,等啊等,等得不耐烦,就回大本营佛罗伦撒去了。不知现代技术能不能扫描出什么秘密来?



米开朗基罗复制品 《莉妲和天鹅》(C展厅 暂停开放)


《莉妲和天鹅》(leda and the swan)是米开朗基罗丢失的一副名作,国家画廊里的是后人的复制品。因为很黄很暴力、艺术史上都排的上号的情·色杰作,所以即使是复制品,也贴出来让大家欣赏欣赏。


米开朗基罗创作这幅画的时候已经看透人世繁华,彻底放飞自己,公开了自己同性恋倾向,追求柏拉图的恋爱。不管多出格的事,只要套到银乱的希腊神话里就都顺理成章了,变成动物去做不可描述的事就是宙斯最拿手的事。


《莉妲和天鹅》讲的就是:美女莉妲正在湖中沐浴,泰迪附身的宙斯看到美丽的莉妲,顿生爱慕之情(见一个爱一个)。宙斯虽然乱·伦上瘾、精·虫上脑,但还是恪守一些原则:和女神OOXX可以用真身,和凡人OOXX就得变身,他曾经变成牛、别人老公的样子、金子雨来和美女那个那个。这一次宙斯化为天鹅来到湖边,翩然落到莉妲身旁。莉妲看它健硕可爱,把它搂抱怀中爱……抚不停……此处省略1000字。宙斯这种顶级播种机轻松让莉妲受孕,生下四只鹅蛋,孵出四位天使般的儿女。


(路人甲:楼主,为啥《岩间圣母》《粉红色圣母》你就一笔带过,黄暴作品就说个没完 ) 


预告:在洛可可风格时期,还有更更更惊世骇俗的画面……


最后编辑于 2017-07-15 07:09

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蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-07-06 17:50

13楼

威尼斯画派:俗世浮华之美

威尼斯画派是意大利文艺复兴晚期出现的画派,给它打几个标签:浮华、艳丽、世俗


中世纪后期开始,航运贸易使威尼斯富足繁荣起来。富足的商人阶级追求生活上的奢华享乐和感官的放纵。航运枢纽的地理位置,加上与东方、阿拉伯文化的交流,更使威尼斯艺术比之前我们看到的意大利中部的文艺复兴更增添了神秘浪漫、异域多元的风格。


具体来说华丽丽的威尼斯画派作品大多色彩浓烈明快绚丽,主题更加脱离宗教的束缚,出现了大量的肉感和欲望交织的女性裸·体形象。威尼斯画派的画家最大的革命在于颠覆了西方传统的信仰体系,打破宗教、神话的禁忌,建立了西方最早的世俗美学


猜猜看下面这幅画是什么内容?

这是威尼斯画派的韦罗内塞为教会画的《最后的晚餐》。是不是都没看出来耶稣在哪里 在豪华的拱门前,达官贵人们享用这奢华的晚宴、饮酒作乐,中间的耶稣和12门徒完全被夺走了主角光环。教会非常不满,控诉韦罗内塞,并询问他“彼得在做什么?”韦罗内塞说:“他在等着分羊排”


韦罗内塞虽然败诉,这张画被改名为《**家族的盛宴》。但是威尼斯画派的俗世美学敢于挑战宗教传统权威、追求个人解放,不正是文艺复兴的核心精神所在么?



言归正传,看看国家画廊里收藏的威尼斯画派作品


19、贝里尼《列奥纳多·洛雷丹总督肖像》1501年(62展厅)


贝里尼(Giovanni Bellini )是威尼斯画派的创立人,并使威尼斯成为文艺复兴后期的中心。这是他为刚刚升为总督的贵族画的肖像,连脸部皱纹和衣饰都刻画的细致入微



20、提香 《酒神和亚里亚得妮》1520年(10展厅)


威尼斯画派第二代人物提香,被称为色彩大师,甚至西方油画之父。他最拿手的就是把神话里的女神画成充满欲望的俗世女子


这幅画描述克里特岛公主亚里亚得妮被恋人抛弃后……酒神巴卡斯和一起狂欢的随从经过,然后就对公主一见钟情坠入情网了,他双唇半开、忘情地注视新的恋人。为了对公主表忠心,酒神把她的头冠抛向天空变成星座,保证亚里亚得妮永生。


【补充内容】

↓↓↓ 提香《节俭的寓言》(10展厅)


提香活了90岁,作品无数、名利双收。到了晚年,他画了一幅《节俭的寓言》(Allegory of Prudence)。上面是他自己、儿子和侄子的头像,下面对应的是狼头、狮子和狗头。啥意思呢?狗代表年轻人要勤奋与忠诚,狮子代表着壮年的成熟与力量,而狼晚年的决断与个性。(还是不懂和节俭有什么关系??)



↓↓↓ 楼主曾在乌菲齐美术馆看过提香的代表作《乌尔比诺的维纳斯》。马克·吐温曾把这幅画称为“世界上最邪恶、最卑劣、最淫秽的图画”。


维纳斯在提香笔下已经坠入凡尘,像一个富贵人家的少妇,大胆的裸露身体,双颊潮红,直勾勾地盯着你的眼睛,赤果果的欲望和引诱。不过这种坦荡荡的做派,很符合威尼斯富裕阶层追求豪奢淫乐的审美情趣




21、丁托列托 《银河的起源》1575年(6展厅)


丁托列托(Jacopo Tintoretto)是威尼斯画派第三代代表人物,提香的大弟子。他继承和发扬了老师精湛的女体描绘水平,而且更加色彩华丽、充满感官刺激。他的代表作是捉奸主题的《战神和维纳斯》。而在国家画廊里,我们能看到的是《the origin of the milky way》翻译成中文是《银河的起源》。


它取材于罗马神话。据神话所说,主神朱庇特把他在人间的私生子接到天上,然后派一个女仆将孩子送给他天上的妻子女神朱诺,让孩子能吸到朱诺的奶,就可以使孩子获得永生。画家在画中所表现的是那个飞翔着的女仆正把孩子突然送到朱诺身边的那一刻。由于朱诺毫无准备,不禁有点张惶失措,她慌忙地躲闪。身体似乎失去了平衡,这时,朱诺的奶汁飞溅,于是形成今天的银河,所以在英语中银河被称为“Milky Way”。   



丁托列托的代表作其实是《战神和维纳斯》(在慕尼黑旧画廊),题材很劲爆:捉·奸。


在上一楼我们欣赏了波提切利的《维纳斯和战神》,讲述“希腊潘金莲”维纳斯被宙斯嫁给又丑又有腿疾的工匠神之后,出轨战神马尔斯,两人在不可描述后战神累得睡死过去的场景。


而丁托列托的《战神和维纳斯》(这些画的名字实在是太容易混淆了) 则是工匠神假装有事回家想要当场捉奸,不过他只看到赤·身·裸·题还一脸惊慌的老婆,没发现战神马尔斯藏在了桌子下面。


维纳斯惊慌地想要遮掩自己的身体,而工匠神却撩开维纳斯身上的白布,向她两腿间看去。他的神情并不是愤怒,好像认真脸……想要做点啥……而真正有意思的是在镜子!!


仔细观察,在床边的工匠神一条腿跪在床上,另一条腿半屈着站在地上,而在镜子里两条腿都跪在床上……接下来或许就是他要做的事吧……


截大图让大家看得更清楚些。楼主这可是本着认真学术研讨的初衷,咳咳咳


GET到威尼斯画派的真义了吗?以后看到下面这种风格的作品,你可以摸着下巴若有所思的说:“从这绚丽明快的色彩,俗世奢华的主题来看,这应该是文艺复兴晚期威尼斯画派的作品。”


恭喜你,装那个啥成功


最后编辑于 2017-07-15 07:11

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安安花园 5袋长老

发表于 2017-07-06 18:30

14楼

很详细,赞!

蓝衣葱葱 13袋长老

发表于 2017-07-06 18:32

15楼

北方文艺复兴:照相机般神还原


文艺复兴的艺术除了是唤醒对人的自由、自信的追求,同时也把自然科学原理引入绘画,运用了透视学、光学、解剖学等原理,“实现了精确地摹仿和再现,构建了文艺复兴时期西方绘画的新体系”。


意大利以北区域的文艺复兴,不同于意大利的浪漫华丽,可以打上“理性、写实、严谨“等标签。


英国国家画廊收录了北方文艺复兴最具代表性的两幅作品。



22、凡·爱克 《阿诺芬尼的婚礼》1434年(56展厅)

美剧《绝望主妇》片头第一个弹出来的镜头就是这对看上去未婚先孕的couple,终于在国家画廊看到真身了。

凡·艾克(Jan van Eyck)是意大利以北地区的文艺复兴的杰出代表。这个时期能在西方艺术史上留下大名的艺术家,除了有高水平的作品,大多都有开创性的贡献。凡艾克的开创性首先在于他经常被当做是西方油画技巧的最早创始者。文艺复兴时期,意大利的画家通常都是用以水性颜料或者蛋彩画。这种颜料很容易干,对画家要求很高,米开朗基罗在梵蒂冈画壁画就是用水性颜料画的湿壁画,必须一气呵成。而在北方地区,画家开始尝试着用油来做中介物,能够在长时间内对画作进行精细的描绘和修正。此后油画成为西方绘画的主流。


而且他的作品高度还原了当时人物的穿着和生活环境,使北方文艺复兴有着不同于意大利热烈唯美风格的写实主义。仔细看此画有彩蛋,画面正中的镜子里有画家正在作画的身影。这种想尽一切办法抢镜的做法后来被多位画家借鉴。


八卦一下,这其实是阿诺芬尼夫妇的订婚照。所以,这是未婚先孕了吗?

紧挨着《阿诺芬尼婚礼》的左手边,凡艾克画笔下《戴头巾的男人》大家应该也很眼熟吧。虽然他的身份至今还是一个谜,但是他凭借这款红头巾在整个绘画史中特别醒目。


欣赏要点:画家完美地运用了光线,采取了透视手法,力求最真实的艺术效果。不仅真实而细致地描绘人物的生理特征和本来面貌,而且还能让观画者透过真实的艺术记录,感受人物的内心。 这件作品也是绘画史上的肖像画精品。



23、小霍尔拜因《大使》1533年(4 展厅)


北方画派代表人物,德国小霍尔拜因的《法国公使双人像》,一般称作《大使》。咋看上去,不就是两个裹着貂儿的土豪嘛?其实这画在业界可重磅了。许多艺术家和艺术史研究者都把这幅画看作是欧洲文艺复兴永恒的形象


这幅画牛在哪里?好多学者写一本论文都说不完。简而言之就是:这幅画精湛的还原现实和画面中物件的安排(地球仪、匕首、骷髅、书本、各种工具、乐器和仪器……都hin有深意),代表了理性精神的写实传统达到巅峰。就连地毯花纹都是由寓意的:这是伦敦威斯敏斯特大教堂的地板图案,象征着这两位大使是来到英国谈判。不信你搜一搜威廉王子大婚时的照片,地板就是这样子滴



【补充内容】


丢勒《犀牛》(大英博物馆


德国画家丢勒三次前往意大利学习进修,融合南北画派的特点,成为北方画派的总结者。他善于发现了自然、植物之美,总是不厌其烦的描绘植物、风景,把透视法和写实主义钻研到了极致。他用版画技术制作的《犀牛》大量传播,这幅画被收录在了大英博物馆的100件文物中,详细内容感兴趣可以戳这里



他笔下的兔兔栩栩如生


最后编辑于 2017-07-15 07:12

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